Spectacles à venir

Molière, du saltimbanque au « fou » du Roi, une même passion du théâtre, une oeuvre cyclopéenne…

742449

Tout comme son contemporain Jean de La Fontaine, Molière est certainement le nom le plus familier pour toute personne ayant passé sa première dizaine d’années de vie ! Jean-Baptiste Poquelin, de son véritable patronyme, va très vite choisir un pseudonyme qui lui siéra à merveille, Molière ou, de manière imagée, le Mot comme du Lierre qui ne cessera de s’enrouler au fil des siècles dans l’histoire de la langue française en général et dans celle du théâtre en particulier.

Né en 1622, Molière, c’est l’homme de son temps, lequel parviendra néanmoins à être celui de toutes les époques qui vont lui succéder car « Il a vu la nature humaine » nous rappelle Sainte-Beuve.

Témoin en effet de son temps comme a pu l’être Pascal, Molière n’hésite pas à en pénétrer la forteresse religieuse pour en livrer aux rires les déviances comme il le fait des hypocrisies de tout poil. Il n’épargne ni les titrés, pas davantage les fats bourgeois en mal de condition supérieure, il souligne férocement l’inégalité conjugale et caricature le saugrenu barbon qu’il dote des vices de l’avarice, du despotisme, de la stupidité et de l’ignorance quand il ne fait pas de lui un galant ridicule, des tares qu’il conjugue dans la même personne selon le genre de l’ouvrage. A l’inverse, il campe une jeunesse triomphante, servie au mieux par des serviteurs et des servantes partenaires de tous les complots. A ces jeunes gens, Molière offre tous les succès, les mariages ne peuvent répondre qu’à un amour partagé, les pères n’ont plus qu’à ranger la férule tyrannique car Molière n’a rien de celui qui place les femmes dans « Cette indigne classe où (les) rangent les hommes ». Il fait au contraire résonner très haut la voix des femmes, Macha Makeïeff (directrice du Théâtre de la Criée) nous dit avec raison que « Molière a toujours été du côté de la modernité ».

(suite…)

Jean-Claude Casadesus, chef d’orchestre, peintre des couleurs sonores de l’âme…

38503921460_cfb9bd10d4_o

Après une « première vie » de quelque dix ans en tant que musicien d’orchestre, percussionniste et batteur avec, parallèlement, de nombreux enregistrements pour Brel, Aznavour, Piaf, vient l’étude de l’écriture et de la direction d’un orchestre, la nomination à la tête du théâtre du Châtelet, celle au pupitre de l’Opéra de Paris et de l’Opéra Comique, l’association à l’orchestre des Pays de la Loire avec Pierre Dervaux, une direction de l’Orchestre de Nantes pour choisir, en 1976, de fonder et de faire vivre à L’Orchestre National de Lille. Une entreprise qui ressemble à un défi, est-ce de cette façon que vous l’avez alors envisagé ?

 Mon désir depuis longtemps était de contredire cette affirmation selon laquelle la « Grande Musique » n’était pas pour cette région de France, ce qui m’a naturellement décidé à faire tout pour qu’elle le devienne ! J’ai ensuite pris le parti, une fois mes quatre-vingt ans atteints, de transmettre mes responsabilités, j’ai donc choisi un nouveau directeur général et l’on a engagé un directeur musical.  Jusqu’à là, j’ai mis en place une entreprise laquelle, outre les trente-trois pays que nous avons visités, s’est inscrite dans le milieu socio-économique populaire, urbain et régional. J’ai pu mettre ainsi sur pied des rencontres avec près de quinze mille enfants par an alors que nous étions jumelés avec des écoles et notamment l’une d’entre elles qui devait fermer ses portes en 1991 pour cause de délinquance. Ainsi, la « Grande Musique » a été transmise à plus de deux cent cinquante villes ou villages de la région du Nord-Pas-de-Calais qui est la région la plus jeune de France et qui est également celle qui a le plus souffert des différentes invasions et du chômage, aujourd’hui on peut la considérer comme l’une des plus culturelles de France au vu du nombre de ses musées, de ses théâtres.  L’Opéra de Lille  est absolument magnifique et bien entendu l’Orchestre National de Lille est devenue  une formidable entreprise.

 C’est à l’opéra que vous faites vos débuts pour lui préférer, semble-t-il, l’orchestre symphonique. Une volonté personnelle ou des propositions qui vont vous éloigner de la direction d’un opéra ?

 J’ai commencé par l’opéra que j’ai toujours aimé du reste, j’ai une fille qui est elle-même chanteuse (Caroline Casadesus), néanmoins la construction d’un orchestre symphonique, telle que je l’ai réalisée, sachant qu’il ne restait, en 1976 que très peu de musiciens et qui allaient être licenciés, a pris quelque vingt années, ce qui est tout à fait attendu en la circonstance puisqu’il faut seulement quelques mois pour défaire et vingt ans  environ pour reconstruire ! J’ai donc renoncé à la direction de l’Opéra de Lille que l’on m’avait proposée afin de ne pas avoir à favoriser l’une plutôt que l’autre et pouvoir élaborer « une machine musicale » génératrice d’émotions, laquelle a fait le tour du monde, quatre continents, tout en étant parfaitement inscrite dans sa propre région en ayant très fortement ce désir de transmission vers les jeunes. Mais pour en revenir à l’Opéra, j’en ai dirigé un certain nombre et toujours avec un grand bonheur, soit ceux de Mozart, je pense à Don Giovanni par exemple, les Contes d’Hoffmann, Pelléas et Mélisande, Carmen, Le Dialogue des Carmélites et tant d’autres ainsi que des opérettes mais il est certain que mon activité a été davantage symphonique, une des raisons pour laquelle j’ai été moins convié à diriger un opéra par la suite puisqu’il est difficile de conjuguer les tournées de son orchestre et de suivre les répétitions d’un opéra simultanément, donc pas vraiment un choix mais plutôt une nécessité.

(suite…)

Rencontre avec Aurore Marchand, cheffe des choeurs de l’Opéra Grand Avignon…

Aurore-Marchand

Aurore Marchand, vous êtes cheffe de chœur à l’Opéra Grand Avignon, une charge des plus importante puisqu’il vous revient d’harmoniser différentes tessitures de voix au service d’un ouvrage lyrique.

 Tout est travaillé de manière identique dès le début des répétitions, la difficulté est de faire chanter tout le groupe vers une unité vocale en respectant néanmoins chaque identité de voix puisque chacun a travaillé de façon différente et certaines voix sont plus puissantes ou plus claires, plus sombres etc. Donc il faut arriver à se servir de ces différentes voix qui vont tendre vers une expression sonore harmonieuse sans que qui que ce soit ne ressente de frustration puisqu’en même temps, aucune voix ne doit ressortir davantage par rapport aux autres.

 La formation du chef de chœur est une notion assez récente alors que celle du chef d’orchestre est reconnue depuis des siècles, disons qu’elle existe depuis la fin des années soixante-dix, avez-vous donc préparé ce diplôme dans un conservatoire ?

Non, mon parcours est plus atypique. Il y a plusieurs manières d’obtenir ce poste de chef de chœur comme on peut le faire également pour celui de maître de ballet, soit l’on entreprend une formation classique de chef de chœur par les conservatoires supérieurs, incluant des stages avec des grands chefs de chœur et d’orchestre, soit, comme beaucoup d’entre nous au final, on est déjà dans le métier par une autre entrée, nombreux ainsi ont eu cette opportunité dans la maison d’opéra dans laquelle ils sont. Je fais partie de ces personnes dans la mesure où j’étais à l’Opéra de Tours dans lequel je suis entrée à l’âge de vingt ans en tant qu’artiste des chœurs, un métier que j’ai mené pendant vingt-deux ans, j’étais alors soprano léger. Avant cela, j’avais à mon effectif un cursus de conservatoire puisque j’étais violoncelliste, donc j’ai étudié la musique depuis l’âge de dix ans en passant toutes les étapes diplômantes du conservatoire. Ensuite, intéressée par la direction, j’ai pu m’y atteler avec quelques chefs de chœur en parallèle avec mon métier d’artiste de chœur. Il s’est trouvé par la suite, lors d’une rentrée de saison, que notre chef de chœur nous a annoncé qu’il partait, nous avions un ouvrage à préparer donc mon directeur de l’époque ; Jean-Yves Ossonce, m’a demandé de prendre en charge la direction du chœur pour cette œuvre qui allait être donnée peu de temps après. Me voilà donc lancée, tout d’abord pour pallier le manque de chef de chœur, nous sommes alors en 2002. J’avais vingt années de scène et d’observation mais, naturellement réservée, je ne pensais pas pouvoir diriger un ensemble professionnel, cependant l’expérience aidant et la connaissance des difficultés internes au chœur, j’ai finalement accepté cette proposition qui s’est muée ensuite en un poste permanent. Plus tard, Avignon a recruté un chef de chœur sur concours auquel je me suis présentée et j’ai ainsi été retenue en septembre 2007.

(suite…)

L’Elisir d’amore de Fanny Gioria, tous les ingrédients d’un philtre réussi !

19S269-1012

La saison « Egalité » de l’Opéra grand Avignon s’achève dans une remarquable production de la maison en ce mois de mai 2019 ! Un élixir qui étourdit la salle au comble de l’allégresse !

L’Elisir d’amore s’inscrit dans un des « opere buffe » dans lesquels Donizetti se montre aussi brillant qu’il peut l’être dans ses œuvres plus dramatiques. L’histoire dit que cet opéra est composé en deux semaines seulement, un record d’exécution qui n’ôte rien à l’éclat de l’ouvrage, cependant ce n’est pas dans le texte qu’il faut aller chercher sa force mais bien dans cette alliage si particulier d’un romantisme exacerbé et d’une dramatique renouvelée que souligne une musique tout aussi variée. Le 12 mai 1832, lors de sa création au Teatro della Canobbiana, l’Elisir d’amore est un véritable triomphe, le livret de Felice Romani, librettiste mais également poète et critique musical, s’appuie sur Le Philtre de Scribe. L’intrigue sentimentale reprend de façon burlesque le mythe de Tristan et Yseut et le précieux breuvage n’est autre qu’un vin vendu par le bonimenteur Dulcamara au naïf Nemorino amoureux de la riche et fière Adina. Le picrate fait bientôt son œuvre, l’amoureux pique la belle de son indifférence alors qu’elle accepte des épousailles avec l’arrogant sergent Belcore. Désargenté et croyant fermement aux vertus du nectar, Némorino s’engage dans le régiment de son rival afin d’en acheter encore. Un héritage soudain, des jeunes filles amourachées du nouveau riche, voilà de quoi donner à l’indifférence d’Adina une attention nouvelle pour un heureux Némorino bientôt marié à l’élue de son cœur ! Très éloigné du futur opéra Wagnérien, ces Tristan et Iseut inédits évoluent habilement entre le rire et l’émotion.

(suite…)

Laissons Fanny Gioria nous étourdir avec son Elisir d’amore !

fullsizeoutput_1338   fullsizeoutput_133d

Fanny Giorgia, la dernière fois que nous nous sommes vues, le 20 novembre 2017, vous prépariez Orphée de Gluck dans sa version remaniée par Berlioz pour l’ouverture de l’Opéra éphémère, il s’agissait d’une création de l’Opéra Grand Avignon, ce qui est encore le cas cette fois-ci et, côté décors et lumières, vous retrouvez Hervé Cherblanc, une complicité retrouvée ?

 Oui, c’est agréable de travailler avec quelqu’un qui a une sensibilité égale à la mienne tout en s’éloignant de l’esthétique qui était la nôtre dans Orphée puisqu’il s’agit avec L’Elisir d’amore d’un univers qui diffère totalement, donc la question est de savoir comment avec nos sensibilités communes, lesquelles se rejoignent assez dans l’espace visuel, nous pourrons aller dans cet ailleurs à découvrir ensemble. C’est en cela que l’on s’aperçoit vraiment que le voyage dans la mise en scène d’opéras est un travail d’équipe avec le scénographe, le créateur de lumières, la costumière etc. Depuis Orphée, il y a eu plus d’une année écoulée, cependant le projet de L’Elisir d’amore existait déjà puisque, naturellement, la programmation est faite deux à trois années en amont des représentations. De fait, les projets sont menés simultanément, s’imbriquant et se nourrissant les uns les autres nécessairement, ce qui en fait tout l’intérêt à mon sens. Orphée avec son univers particulier, plus sombre, avec sa part de souffrance et de recherche intérieure alors qu’ici on est dans une dimension beaucoup plus légère et pourtant chaque mise en scène nourrit la suivante. Avec le même scénographe, je dirais que l’on part dans l’aventure avec un même langage, c’est de fait un gain de temps également. Le scénographe arrive avec ses nombreuses idées, ses schémas, Hervé Cherblanc a ainsi réalisé la maquette du décor en reconstituant l’intérieur de l’Opéra éphémère. Si on l’examine de près, on y retrouve le travail sur la lumière, sur la transparence, ce qui n’exclut pas le travail informatique mais la maquette me semble tellement plus vivante, elle me parle davantage !

(suite…)

Donizetti, un compositeur sensible et prolifique…

xl_avatar

Domenico Gaetano Maria Donizetti naît un 29 novembre 1797 à Bergame, ville située au nord-est de Milan, dans la belle région de la Lombardie. Imaginons un instant la « Città Alta », sa grande porte vénitienne de San Giacomo, ses superbes remparts d’où les levers et les couchers de soleil deviennent le spectacle le plus fabuleux qui soit et suivons un moment la course heureuse de l’enfant Donizetti qui vient ici prendre de la hauteur. Cette ville, Donizetti la connait dans ses moindres recoins, il y vit entouré des siens, cinquième enfant des six de la famille. Les parents, de condition modeste, sont néanmoins très attentifs au devenir de chacun, ainsi on rêve déjà d’une carrière d’avocat pour le jeune Gaetano qui pour l’heure, tout à sa songerie matinale et passionné de dessin s’imagine devenir architecte. Des ambitions paternelles et personnelles qui sont sans compter le talent musical que le petit Donizetti révèle très tôt. Son frère Giuseppe, de neuf ans son aîné, sera directeur de musique militaire à la cour du sultan de Constantinople, voilà deux frères dans un monde musical qui n’appartient qu’à eux puisque les parents n’en font pas partie.

(suite…)

Les Saltimbanques de Mireille Larroche, une ode au spectacle vivant !

IMG_1691

Au commencement, il y avait des échafaudages sur fond d’immeubles HLM, et la musique de Ganne.

Le quartier de Nanterre était « informe et vide, il y avait » les railleries lancées vers les sales saltimbanques arrivés dans une antique camionnette.

Mireille dit : que le spectacle soit ! Et le spectacle fut.

Le public vit que la parade était bonne et les comédiens séparèrent le spectacle de l’obscurantisme.

Ainsi, il y eut une féérie qui prit vie, « ainsi il y eut un soir », ce fut le premier à nous émouvoir !

IMG_1689

Nul doute que toutes celles et tous ceux qui ont assisté ce week-end aux Saltimbanques de Louis Ganne, opérette mise en scène par Mireille Larroche, assistée en cela par Francesca Bonato et Jean-Philippe Corre, n’aient été conquis voire envoûtés par l’extraordinaire poésie de ce spectacle, si les muses peuvent transformer le monde d’une manière générale, elles ont ce soir-là mué une réalité des plus difficiles en une grâce certaine. Véritable alchimiste de la scène, Mireille Larroche revisite l’œuvre de Ganne, réécrit le livret de Maurice Ordonneau, pour l’ancrer dans une contemporanéité familière, elle y matérialise la condition précaire des intermittents dont elle défend non seulement le statut mais encore l’indispensable place au sein de la Cité. Artistes de cirque exploités, animateurs commerciaux pour galeries marchandes, figurants de série TV, tout y passe pour traduire l’errance entre deux cachets. Et le théâtre dans tout cela ? La question est posée, la réponse avancée ; les écrans de tout genre éloignent les spectateurs des théâtres nous dit-on. Cependant, c’est bien du spectacle vivant dont il s’agit ici et la fête est complète, les baladins de tout crin s’y côtoient pour offrir un tableau absolument étourdissant d’acrobates, de jongleurs, de danseurs et de chanteurs, de clowns et de ballerines au jupon scintillant, de musiciens et de comédiens, quelque soixante « saltimbanques » illustrent ainsi l’art de la scène et la nécessaire complicité d’un public. Mais d’où viennent-ils en si grand nombre ?!! Mais de partout ! Le chœur de l’Opéra Grand Avignon dirigé par Aurore Marchand est là, quelques choristes deviennent solistes ou comédiens pour l’occasion, d’habituels figurants prennent la parole, ainsi Laurent Dallias interprète un bougon Monsieur Bernardin, les danseuses et danseurs de l’Opéra Grand Avignon révèlent une fois de plus tout leur talent et celui non moindre de leur chorégraphe Eric Belaud. Les frontières entre les genres et les métiers sont ouvertes largement, on reconnaît sur scène la perruquière Sandrine Degioanni, la maquilleuse Camille Bonardi, l’habilleuse Liliane Tomeï de l’Opéra Grand Avignon ! La fête du théâtre c’est cela aussi, tous ses acteurs sont présents et répondent à l’appel des grands questionnements ; qu’est-ce qu’un.e saltimbanque ? Quelle est son utilité ? Que fait-il.elle ?

(suite…)

Mireille Larroche, femme engagée, femme artistiquement sincère, femme de la Cité au sens le plus noble du terme…

mireille3_1920

Mireille Larroche, l’éventail de votre formation première est assez large ; des études de philosophie de lettres et de théâtre en en explorant, pour ces dernières, bien des aspects. Est-ce cette diversité initiale qui vous a poussée vers le genre opératique qui convoque lui-même plusieurs formes artistiques ?

 Cette venue dans l’opéra est guidée quasiment par le hasard au départ, j’ajouterai à votre juste vision des choses, un engagement politique au vrai sens du terme comme l’étaient également mes parents sans appartenir cependant à un quelconque parti politique (la politique commeune vision de la cité d’après la conception aristotélicienne et non celle d’un programme électoral). Donc mon désir de faire du théâtre s’est complètement lié à cet engagement, avec la question de savoir quoi faire dans la cité, dans la société, comment m’y engager véritablement avec cette idée qu’il fallait également dépasser la ville de Paris que j’aime et dans laquelle je vis. Ainsi, monter une compagnie et faire des tournées est devenu une évidence, avoir son outil de travail et qu’il soit de même itinérant, voilà ce qui a amené à la création de la péniche théâtre de 1975 à 1982 avec de nombreuses musiques puisqu’il y avait Jean-Paul Faré. Ensuite, nous avons eu envie de monter des œuvres d’auteurs contemporains, on nous a donc guidés vers le théâtre musical à Avignon où nous sommes venus dans le cadre du Festival IN et où nous avons rencontré tous les grands compositeurs du théâtre musical qui étaient intéressés également par la dramaturgie. Je suis ainsi venue à l’opéra dans la perspective de monter un ouvrage contemporain qui passait par le théâtre et la musique, de là, ce sont des opéras-comiques, de la musique ancienne, enfin tout ce qui lie à la fois le théâtre et la musique, tous ces répertoires de musique où le théâtre et la musique sont liés bien plus que dans le grand opéra du XIXème siècle dans lequel il y a une sorte de séparation due à la technique bien que j’y sois venue pendant que nous étions en résidence, par exemple à l’Opéra-Comique de Paris pendant neuf ans et quelque sept années à l’Opéra de Toulon entre autre. Sans compter les mises en scène qui m’étaient commandées et pour lesquelles j’arrivais avec mon équipe artistique et qui n’étaient pas vraiment une coproduction de la Péniche-Opéra. Dans ces grandes maisons, si l’on ne choisit pas ses interprètes, on peut retenir son équipe artistique ; scénographe, costumier, éclairagiste, chorégraphe… La vocation de la Péniche n’était pas de faire du grand répertoire ou alors il s’agissait d’œuvres atypiques ; L’Oie du Caire de Mozart par exemple qui est un opéra-bouffe peu connu, voire inconnu ou bien Ubu, opéra et bien d’autres.

(suite…)

De Louis Ganne aux saltimbanques, une mouvance artistique…

images      images

Le musicien plébéien

Buxières-les-Mines, petite commune française dans le département de l’Allier, actuellement un peu plus de 1000 habitants, plus du double dans cette fin du XIXème siècle qui nous intéresse car en effet, c’est précisément dans ce qui était alors une vaste exploitation de mines de charbon qu’allait naître le petit Gustave Louis Ganne. Nommé pour l’instant Buxières-la-Grue jusqu’en 1880, ce petit bourg d’Auvergne compte donc, en ce jour du 5 avril 1862 non seulement un habitant supplémentaire mais encore un compositeur français en devenir dont l’inoubliable opérette Les Saltimbanques, créée en 1899 ou encore La Marche Lorraine sept ans plus tôt qui allaient faire du musicien un compositeur reconnu.

Louis a sept ans lorsque son père meurt au fond de la mine, sa mère part pour Paris où il sera plus aisé de subvenir à leurs besoins à présent. C’est dans une école chrétienne de Issy-les-Moulineaux dans laquelle il a été confié que l’on s’aperçoit bien vite de son talent que les pères encouragent. Louis leur compose toute une messe à la fin de ses études lycéennes, il entre peu après au Conservatoire national de Paris où il remportera le premier prix en classe d’harmonie et le second d’orgue avec César Franck en 1881. Il a tout juste 19 ans et semble promis à un avenir brillant et dans un répertoire « sérieux », pourtant c’est vers une musique qualifiée de plus « légère » qu’il préfère se diriger. Il va donc composer tour à tour des chansons, des marches militaires, des musiques pour danser et des opérettes qui vont le rendre célèbre dès le siècle finissant et c’est avec Les Saltimbanques, opérette en trois actes, qu’il triomphe en ouvrant le XXème siècle sur des mélodies tendres et romanesques le 30 décembre 1899 au théâtre de la Gaîté à Paris.

(suite…)

Une question d’Art…et d’Amitié.

ob_93771b_2c1bb5ba02ee3511e0ca810550756d0c

Créée le 28 octobre 1994 à la Comédie des Champs-Elysées, la pièce Art emmène aussitôt son auteure Yasmina Reza vers les sommets du succès, la pièce est alors traduite dans pas moins de trente-cinq langues et reprise jusqu’à Brodway. Aujourd’hui encore, quelque vingt-cinq ans plus tard, l’effet sur le lecteur et le public est intact. On sort bien souvent du théâtre avec le désir de retrouver au plus vite le texte d’un peu plus d’une cinquantaine de pages que l’on redécouvre avec un plaisir toujours renouvelé. Art fait partie de ces oeuvres intemporelles parce qu’elle y livre une réflexion sur un thème non moins éternel qui est celui de l’amitié.

Ils sont trois ; Serge le dermatologue amateur d’art, un tantinet affété, Marc l’ingénieur rationnel, volontiers tyrannique et terriblement anxieux, Yvan enfin, plus plébéien, pusillanime et qui vit dans l’ombre de ses deux amis. Le comique de caractère est déjà en place dans cette improbable amitié qui les lie pourtant depuis « longtemps ».

La crise est admirablement amenée par l’acquisition d’une grande toile d’art contemporain parfaitement blanche à quelques liserés transversaux près, également blancs, signée Antrios et dont Serge devient le propriétaire pour la somme de « deux cents mille », réadaptés à présent en trente mille euros ! Marc est renversé, méprisant, le tableau ne représente rien à ses yeux et plus dangereux, il l’a remplacé auprès de Serge qui paraît prendre ici son indépendance, de fait sa peur de l’abandon est manifeste et bascule le personnage entre le rire et l’émotion. Serge, l’offensé, durcit sa position d’esthète renvoyant Marc à son inaptitude à saisir la forme artistique. Au milieu des deux antagonistes, Yvan qui n’a aucune opinion quant au tableau mais que l’approche de son prochain mariage rend particulièrement nerveux. Catalyseurs d’une confrontation entre les trois acolytes, le tableau en particulier et l’art en général ne sont qu’un prétexte à sonder les profondeurs de l’amitié tapissées des meilleures intentions comme des pires.

(suite…)